Cómo grabar un disco y no morir en el intento (III)

31.10.2019

Una vez hemos visto como afrontar la grabación desde el punto de vista de los distintos instrumentos, pasamos a hablar de los aspectos más técnicos y comunes a toda la banda. En concreto veremos la importancia de la calidad de los instrumentos, la correcta afinación de toda la banda y tener claro el sonido que se quiere conseguir.


como grabar un disco y no morir en el interno

 

El los dos primeros capítulos de la presente serie llamada "Cómo grabar un disco y no morir en el intento" que los amigos de Radish Records han escrito podemos aprender el modo en que afrontar la grabación en función de nuestros instrumentos. Si aún no los habéis leido podéis hacerlo aquí y aquí.

 

3º-GRABA CON BUENOS INSTRUMENTOS.

Lo ideal es que el estudio tenga un backline espectacular, pero si no es el caso… pídelos prestados, alquílalos, o robalos si hace falta.

Da igual el instrumento que toques, seguro que tienes varios amigos que tienen un equipo mucho mejor que el tuyo, pide prestado el mejor instrumento que puedas para la grabación, lo más probable es que te lo dejen sin problemas (nunca está de más invitar a una cenita por el detalle).

Si eres antisocial y no tienes amigos no pasa nada, también puedes alquilarlos en muchos sitios… y los instrumentos también. Hoy en día en alquiler hay toda clase de instrumentos de gama alta y puedes grabar con tu instrumento soñado por un precio más que razonable.

Lo de robar es mejor que se lo dejemos a los expertos, pero siempre utiliza instrumentos de alta calidad a la hora de grabar. No hay razón para grabar con instrumentos mediocres o en mal estado. Si algún amigo te presta su equipo es mejor que te lo deje más tiempo del esperado, de esta forma lo podrás usar antes de entrar a grabar para cogerle el “rollo” y estar a gusto con el instrumento.

 

4º-PRESTA ATENCION A LA AFINACION.

 

En el local de ensayo con que estéis medio afinados quizá pueda valer, pero en el estudio la afinación es algo importante, ALGO AFINADO RESPECTO A ALGO DESAFINADO ES COMO LA NOCHE Y EL DIA.

Es importante que uséis todos el mismo afinador, no me refiero al mismo modelo, sino a usar uno entre todos.

Sobre el papel normalmente un “LA” es una frecuencia de 440hz (y sus múltiplos/octavas claro). Por lo que un “LA” a 440 debería ser lo mismo aquí que en Albacete, pero hay un problema: los afinadores no son perfectos (sobre todo los malos) y esa imprecisión puede llegar a variar mucho entre un afinador y otro, incluso entre dos afinadores del mismo modelo (por el margen de error del reloj de cuarzo, del circuito comparador y demás). Por ello si el afinador del guitarrista tiende a estar un poco “alto” y encima no es muy preciso puede acabar con que ese “LA” recién afinado no está realmente a 440hz sino a 446hz. Si el afinador del bajo tiene la misma tolerancia pero tiende a estar “bajo” su recién afinado “LA” será de 434Hz, y cuando juntes los dos instrumentos… digamos que no sonará todo lo bien que debería.

Si usáis todos el mismo afinador al menos tenéis la garantía de que todos tendréis el mismo “error”, y de esta forma todos estaréis afinados entre vosotros. Sobra decir que es altamente recomendable un buen afinador y que cuanto más preciso sea mejor sonareis (el señor Peterson es tu amigo).

A la hora de afinar hay que ser preciso. El que se encienda la lucecita verde una centésima de segundo no quiere decir que estés afinado, hazlo bien, casi te diría que hay que reaprender a afinar. Si usas puentes flotantes cada cuerda que tenses o destenses afectará a las tensión de las demás cuerdas, por lo que es conveniente darle un par de pasadas (si todas están afinadas pero la 6ª está baja en cuanto subas la 6ª se te bajarán las demás).

Si estáis muy bien afinados y quintados sonareis mejor, mucho mejor.

 

5º-HAZ EN EL LOCAL DE ENSAYO O EN CASA TODO LO QUE PUEDAS.

(siempre que con ello no comprometas la calidad).

Hay muchas cosas que con paciencia y conocimientos básicos se pueden hacer en casa o en el local de ensayo, ahorrándonos con ello una buena cantidad de euros sin mermar la calidad de nuestra música.

Es buena idea llevar las claquetas hechas, especialmente si hay cambios de compás o tempo en las canciones, todo lo que no tenga que hacer el técnico es tiempo y dinero que nos ahorramos.

Si tenéis algunos conocimientos sobre sonido y DAWs y material para hacerlo (aunque no sea muy extenso, sino no iríais a un estudio profesional claro) podéis hacer una “preproducción” y realizar las tomas de referencia en el local (por pistas separadas y siempre que podamos hacer algo decente, se sobreentiende). Si lo has hecho bien te ahorrarás todo el tiempo de grabar las referencias en el estudio y podrás hacerte una pequeña idea de cómo funcionan las canciones grabadas (esto último es algo realmente interesante).

Si eres teclista y trabajas con algún secuenciador e instrumentos virtuales puedes hacer en casa los sonidos “secundarios” como colchones o pads y llevarlos al estudio en formato audio o midi. Si los sonidos son buenos y lo has hecho bien no hay razón para no usarlos, las pistas delicadas de teclado o piano quizá sea mejor grabarlas en el estudio, o como mínimo que el estudio nos pase lo que ya llevan grabado los demás debido a que la música no es “cuadrada”, y no es lo mismo grabar encima de un metrónomo que encima de la canción en cuestión.

Todo lo que se te ocurra que puedas hacer en casa ahorrando tiempo y dinero sin mermar la calidad es siempre una buena idea.

6º-PARA LLEGAR A ALGUN SITIO DEBES SABER PRIMERO A DONDE VAS.

Algo IMPRESCINDIBLE antes de entrar al estudio es saber cómo quieres sonar. Está claro que en el estudio luego las cosas evolucionan y cambian, pero debes saber perfectamente a dónde vas. Si te pones a caminar sin rumbo es más probable que acabes perdido que en una playa paradisiaca con mojitos gratis.

Hay que ser coherente y realista, el mejor sonido no es el que mejor suena, sino el que mejor encaja y funciona.

 

Antes de grabar tener claro el sonido que queréis y el concepto del álbum. Enseñad al técnico grabaciones de grupos que os gusten, que sean parecidos a vosotros y que suenen realmente bien e ir marcando un camino. Esto no quiere decir que el técnico tenga que copiar ese sonido, pero si dará tanto a la banda como al técnico un buen rumbo.

En este caso concreto viene al pelo la frase “un sonido vale más que mil palabras”. Por mucho que tu le digas al técnico que quieres que tu batería suene “aplastante” el técnico en su cabeza pensará “hay 200 formas diferentes de hacer una batería aplastante y cada cual suena completamente diferente ¿a qué sonido en concreto se referirá?”.  Pero tú ponle al técnico una canción que suene la batería parecida a lo que le intentas transmitir e inmediatamente el técnico te dirá “Ah! Entiendo!”

Se coherente con el sonido de tu banda. Por mucho que te guste el sonido de guitarra de Metallica si haces Pop flofo (mezcla de flojo y fofo) probablemente quedará mal. Esto júntalo con que a tu batería le tire un poco el jazz y le gusten los sonidos muy naturales y… tendrás un tema horrendo.  

 

 

Ocurre a menudo que cuando el técnico pregunta al músico sobre que sonido busca para su instrumento el batería le diga que quiere sonar como Portnoy (o el batería de sus sueños, pon el nombre que quieras en cada caso), el bajista quiere sonar como Pastorius, un guitarra como Malmsteen, el otro guitarra como Jeff Beck, los teclados como los de Alejandro Sanz y la voz como la de Chris Martin, y luego resulta que tu grupo hace Folk… No hay que ser muy listos para darnos cuenta de que eso no va a funcionar jamás.

Hay que ser coherente y realista, el mejor sonido no es el que mejor suena, sino el que mejor encaja y funciona.

Si eres bajista y tocas caña es normal que te guste más el sonido de bajo de los Red Hot que el del bajo de Brian Adams. Esto tiene que ver con muchas cosas, quizá la principal es que los Red Hot en sus canciones suelen dejarse de tonterías y adornos y usan lo básico: batería, bajo guitarra y voz. Al usar tan pocos elementos cada elemento tiene más espacio en la mezcla y se percibe como más “grande”. Su estilo propicia un sonido bastante “crudo”, encima son muy rítmicos con lo que la densidad es bastante baja. Por no mencionar que las líneas de bajo de ese tío son alucinantes, .etc. etc. Para no meternos demasiado en temas técnicos digamos que ESE SONIDO ES APROPIADO EN ESE CONTEXTO, pero si eres Brian Adams te será absolutamente inútil el mismo sonido en tu banda. Con esto lo que quiero decir es que tenéis que ser coherentes con vuestro sonido y que miréis el sonido del grupo y de cada canción de una forma GLOBAL, y no tu sonido o instrumento de forma individual.

7º-ES MUY IMPORTANTE LLEVAR DISCO/S DE REFERENCIA.

Como ya he dicho explicar al técnico como queremos sonar es siempre mucho más difícil mediante palabras que mediante música. Es MUY conveniente que llevéis al estudio discos de referencia, estos discos deben ser de vuestro estilo, os tienen que gustar mucho y deben de sonar excelentes.

Esto no quiere decir que tengas que fusilar el sonido de esos grupos!!!! Pero esas referencias os ayudaran tanto a vosotros como al técnico a saber dónde está el norte en todo momento.

Cuando tienes los oídos frescos es fácil saber dónde estás. Pero cuando llevas 8 horas escuchando el mismo tema estás mas perdido que Marco el día de la madre. Puedes estar pasadísimo de graves o con un sonido inapropiado de guitarra y no darte ni cuenta. Ten en cuenta que nuestro oído se adapta muy rápidamente a los cambios en el sonido (esta es una de las razones por las que es conveniente hacer una pausa cada 45 minutos, aunque casi nadie se puede permitir tal lujo) debido al cansancio auditivo lo que estamos escuchando y que creemos que es tierra firme puede estar muy alejado de la realidad. Poned ese disco de referencia que todos conozcáis, que sepáis que suena bien y esté balanceado y enseguida todos cogeréis el norte.

 

Alex Radish

Radish Records

Pronto "Cómo grabar un disco y no morir en el intento (IV)"

Podéis seguir a Radish Records en su web en facebook o en twitter  

 


 
 
 
 

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